jueves, 6 de noviembre de 2025

NADADORA "Mañana y Siempre"



NADADORA REGRESA TRAS QUINCE AÑOS DE SILENCIO CON DOS SINGLES DESLUMBRANTES Y UN NUEVO DISCO: MAÑANA Y SIEMPRE

Quince años después de Luz, oscuridad, luz (2010), Nadadora rompe un silencio que parecía definitivo para anunciar su regreso más esperado. La banda gallega vuelve con fuerzas renovadas, un sonido más maduro y dos nuevos adelantos —1997 y Aparecer— que anticipan la llegada de su próximo disco, Mañana y siempre, disponible en noviembre bajo el sello Ernie Records.

Un regreso luminoso: “1997”, el primer estallido

1997 es mucho más que un single: es la declaración de renacimiento de un grupo que marcó el indie español con un lenguaje propio. Sara Atán (voz y guitarra), Gonzalo Abalo (voz y guitarra), Edu Romero (bajo), Daniel Abalo (batería) y Montxo Couselo (teclados) suenan aquí a reencuentro, a heridas cicatrizadas y a la lucidez que trae el paso del tiempo.

Grabado en Estudio Uno, producido por Martí Perarnau y con ingeniería de Pablo Pulido, 1997 despliega un sonido expansivo que combina indie pop, dream pop y capas shoegaze, evocando a referentes como Beach House, Slowdive o Cigarettes After Sex, pero con un sello profundamente propio. Las guitarras reverberadas, los teclados envolventes y las voces etéreas elevan una letra que oscila entre memoria, pérdida y un nuevo brillo emocional.

El periodista David Saavedra lo resume así:
«Nadadora ha vuelto… y pocas veces el regreso de un grupo se enunció de forma tan clara y emocionante.»

El single llega acompañado de un videoclip dirigido por María López, una pieza cargada de simbolismo que captura el reencuentro del grupo y la atmósfera emocional de la canción. El diseño de la portada corre a cargo de Guillermo Arias.

“Aparecer”: un segundo adelanto hipnótico y profundo

Tras la luminosidad expansiva de 1997, Nadadora presenta “Aparecer”, un tema hipnótico que confirma la solidez de esta nueva etapa. Con un equilibrio magistral entre delicadeza y contundencia, la canción teje un paisaje sonoro donde guitarras reverberadas, voces vaporosas y capas ambientales crecen sobre un ritmo sostenido y envolvente.

La producción vuelve a estar firmada por Martí Perarnau, con mezcla y masterización de Pablo Pulido, logrando un sonido maduro y cinematográfico, marca de la casa Nadadora. La letra explora el momento exacto en el que algo (o alguien) irrumpe y trastoca el equilibrio emocional:
«Puedes destrozar mi mundo con tan solo aparecer», canta Sara Atán desde una fragilidad contenida que se vuelve magnética.

La banda —con aportaciones adicionales de Perarnau y Pulido— construye un tema que respira, se despliega y suspende el tiempo. Un segundo adelanto que, lejos de ser un simple puente hacia el álbum, se sostiene por sí mismo como una pieza luminosa, precisa y emocional.

Un nuevo capítulo llamado Mañana y siempre

El regreso de Nadadora no responde a la nostalgia, sino a un impulso creativo renovado. Mañana y siempre se perfila como un trabajo íntimo y expansivo que habla de comienzos y finales, de ausencias, permanencias y de esas cosas que quizá no duren para siempre, pero que alguna vez lo fueron todo. Son canciones que dialogan con el tiempo, sus cicatrices y sus destellos.

Nadadora vuelve con una identidad sonora firme, una sensibilidad profundamente honesta y un lenguaje que sigue siendo reconocible… pero con más peso, más verdad y más aire.

Un retorno necesario

Con 1997 y Aparecer, Nadadora demuestra que el silencio no ha sido ausencia, sino un periodo de transformación. Su regreso reivindica su lugar en la historia del indie español y anticipa un álbum que promete emocionar, remover y acompañar.
A veces, el silencio solo precede a los comienzos más brillantes. Nadadora ha vuelto.



 

miércoles, 5 de noviembre de 2025

THE PRIMITIVES "40th anniversary single"



THE PRIMITIVES CELEBRAN 40 AÑOS CON UN SINGLE ESPECIAL EN ELEFANT RECORDS

El 14 de noviembre de 1985, THE PRIMITIVES ofrecían su primer concierto en el legendario pub The Hope & Anchor de Coventry. Una jovencísima Tracy Tracy, que apenas llevaba un mes en la banda, subía al escenario junto a Paul Court para interpretar por primera vez temas que, con el tiempo, se convertirían en auténticos himnos del pop independiente: “Thru The Flowers”, “Crash” y “Spacehead”.

Cuarenta años después, la historia continúa. THE PRIMITIVES celebrarán este 40 aniversario con una gira de once fechas por Reino Unido, que arrancará el 14 de noviembre de 2025 en Milton Keynes, repasando las canciones más emblemáticas de todas las etapas de su carrera.

Pero antes de que suenen los primeros acordes de esta celebración, Elefant Records rinde homenaje a una de las bandas más queridas de su catálogo con una edición muy especial: el 7 de noviembre de 2025 se publica un single 7” en vinilo blanco (edición limitada de 500 copias) que incluye dos joyas imprescindibles.

Por un lado, una nueva mezcla de “Thru The Flowers”, grabación original de octubre de 1985 —apenas dos semanas antes del debut en directo del grupo—, enriquecida con overdubs y guitarras adicionales. Según Paul Court, aquella maqueta era “una demo en directo muy básica grabada por una banda que aún buscaba su sonido”. Por otro, la versión inédita de “Sweet Sister Sorrow”, una rareza que representa el lado más temprano y espontáneo del grupo.
En palabras del sello, esta referencia supone “una pieza fundamental de nuestra historia”: Thru The Flowers no solo es una de las canciones más queridas del catálogo de Elefant Records, sino también un emblema del pop guitarrero y brillante que definió a toda una generación.

La celebración no se quedará en las islas: THE PRIMITIVES visitarán España a finales de febrero de 2026, dentro de su gira de aniversario, con un repertorio cargado de clásicos y la energía intacta de aquellos días en Coventry.


 

THE JUST JOANS "Romantic Visions Of Scotland"



The Just Joans: Ironía, melancolía y nostalgia escocesa en Romantic Visions of Scotland

Los autodenominados “miserabilistas del indie escocés”, The Just Joans, anuncian su nuevo álbum Romantic Visions of Scotland, que verá la luz el 23 de enero de 2026 a través del sello Fika Recordings. Como primer adelanto, la banda de Glasgow presenta el sencillo “Here Come The Rugby Boys”, una canción que combina su característico indie pop tambaleante con letras mordaces sobre los tropiezos románticos y las pequeñas decepciones cotidianas, todo filtrado por el sarcasmo escocés de sus líderes y hermanos David y Katie Pope.

Con un estribillo infeccioso y una narrativa tan divertida como melancólica, “Here Come The Rugby Boys” evoca la inocencia —y la torpeza— de la infancia. David Pope explica: “Cuando tenía 9 o 10 años, unos chicos vinieron a mi escuela en Paisley a hablarnos de mini rugby. Prometieron Mars bars y gloria, pero olvidaron mencionar las duchas comunales o la humillación frente a nuestros padres. La canción surge de esos recuerdos vagos de aquellas frías mañanas de domingo”.

En lo musical, Pope cita influencias de “Part-Time Punks” de Television Personalities y la teatralidad juguetona de The Kinks. Fue una de las primeras canciones grabadas para el nuevo disco, con una energía torpe pero vibrante que —según él— “refleja la naturaleza caótica y descontrolada del juego… y de esa edad en general”.



Romanticismo cotidiano con acento escocés

El título del álbum proviene de una exposición que el grupo vio anunciada en los autobuses de Glasgow en 2019: Wild and Majestic: Romantic Visions of Scotland, celebrada en el Museo Nacional de Escocia. Seis años después, el concepto se transforma en un álbum de instantáneas semiautobiográficas del cinturón central escocés: pequeñas historias de nostalgia, fracasos mundanos, arrepentimientos y oportunidades perdidas, contadas con un humor agridulce.

A lo largo del disco, The Just Joans exploran la tensión entre el pasado idealizado y el miedo a quedarse atrás —por los amantes, los amigos o el propio tiempo—. En lo musical, el grupo canaliza la sensibilidad melódica de The Kinks de la era Village Green, junto con guiños a The Television Personalities, The Smiths y Dolly Mixture.

Una tradición de miserabilismo encantador

Formados en Glasgow en 2005 por David Pope, The Just Joans debutaron con Last Tango in Motherwell (2006), un conjunto de maquetas que ya apuntaban su visión irónica y melancólica del amor y la vida moderna. Con el tiempo se unieron Katie Pope (voz), Chris Elkin (guitarra), Fraser Ford (bajo), Arion Xenos (teclados) y Jason Sweeney(batería), consolidando la formación actual.

A lo largo de su carrera, han publicado varios EPs y álbumes en WeePOP! y Fika Recordings, cultivando un fandom devoto dentro del indie británico. Su estilo encaja perfectamente en la tradición escocesa de The Delgados o Arab Strap, con ese tono “miserable pero pícaro” que combina ternura, ironía y un humor melancólico irresistible.

Romantic Visions of Scotland promete ser un retrato mordaz, emotivo y profundamente humano de lo que significa envejecer, recordar y seguir buscando belleza entre las ruinas cotidianas. En manos de The Just Joans, la melancolía nunca suena tan divertida. 

BANDCAMP




THE LOVELY BASEMENT "Lowlands"



The Lovely Basement: Americana, ironía y encanto británico en Lowlands

¿Post-cool o simplemente demasiado mayores para preocuparse? Así se definen The Lovely Basement, una banda británica que asegura haber querido mezclar alt-country con The Velvet Underground, aunque también admiten —con un humor muy suyo— que fracasaron en el intento. El resultado, sin embargo, es brillante: un sonido americana con alma underground, salpicado por guitarras que no desentonarían en un disco de Fairport Convention, los equivalentes británicos más cercanos al mítico grupo de Lou Reed.

Desde la publicación en 2019 de su debut Just Because You Can, The Lovely Basement ha recibido elogios de todo tipo: comparaciones con Yo La Tengo, The Pastels o los veteranos del Paisley Underground, The Dream Syndicate. También se les ha descrito como una banda capaz de componer con la soltura despreocupada de los primeros Faces.

Su nuevo trabajo, Lowlands, consolida esa reputación. El primer adelanto, “Cornstalk Girl”, fue emitido por Gideon Coe en BBC Radio 6 Music, un fiel seguidor de la banda, y acompañado por una excelente cara B: una versión de “Angel Gone” de Beat Happening. Las voces del álbum fueron grabadas nada menos que por John Parish (colaborador habitual de PJ Harvey, Howe Gelb o Eels), quien descubrió al grupo tocando en directo por casualidad… y decidió quedarse.

Como en todos los discos de The Lovely Basement, Lowlands abarca una amplia gama de temas: desde reflexiones sobre la conciencia, la desigualdad y la globalización, hasta el deseo de refugiarse con buenos amigos cuando el mundo exterior se vuelve demasiado incómodo. Todo ello narrado con ironía, calidez y una delicadeza atemporal, en una colección de canciones luminosas, melancólicas y maravillosamente imperfectas.

Lowlands confirma que The Lovely Basement no necesitan ser “cool” para brillar. Les basta con seguir siendo ellos mismos: una banda que mezcla inteligencia, emoción y un toque de desaliño británico que resulta, sencillamente, irresistible.





 

I WAS A KING "Until the end"



I Was A King: Dos Décadas de Indie Noruego y un Final Brillante con Until the End

I Was A King, el proyecto liderado por el vocalista, guitarrista y compositor noruego Frode Strømstad, celebra veinte años de trayectoria con una vitalidad envidiable. Tras ocho álbumes y una carrera marcada por la independencia creativa, la banda lanza su nuevo trabajo, Until the End.

A lo largo de estas dos décadas, Strømstad y compañía han colaborado con figuras destacadas como Sufjan Stevens y Norman Blake, de los legendarios Teenage Fanclub. En marzo de 2025, conmemoraron su vigésimo aniversario con un recopilatorio titulado Best Wishes – A Shortcut to I Was A King, una mirada retrospectiva a su carrera y una celebración de su sonido inconfundible. Pero lejos de dormirse en los laureles, el grupo demuestra con Until the End que todavía tiene mucho que ofrecer.

El disco se abre con “Snow on the Transmission Tower”, una balada etérea que establece el tono: melancolía y belleza en equilibrio, con ecos de The Weakerthans y Grandaddy, dos claras referencias sonoras. El primer sencillo, “Dust Bunnies”, construye sobre un riff de guitarra luminoso que desemboca en un estribillo melancólico y encantador, donde los sintetizadores se entrelazan suavemente con una línea de bajo insistente.

En “Sleepless Nights”, la banda se adentra en terrenos más crudos, con guitarras que recuerdan al lo-fi de Pavement y al grunge de The Breeders. Por su parte, “November”, la canción más extensa del álbum, ofrece un paisaje sonoro contemplativo y melódico, con Strømstad reflexionando: “I had no worries but my own, just closed my eyes when it was time to go”.

La joya del disco es “Nowhere Near”, una pieza de pop indie impecable con un estribillo demoledor que evoca lo mejor de The Lemonheads. En contraste, “The Birthday Song” aborda con ternura y tristeza la inevitable melancolía de los cumpleaños en la adultez, con un sonido que combina folk y country al estilo de Elliott Smith o Conor Oberst.

El cierre llega con la instrumental “Still Water”, que desemboca en la canción homónima “Until the End”, un final cargado de nostalgia y belleza melódica. Con su gancho inolvidable, es el broche perfecto para un álbum que encapsula todo lo que hace especial a I Was A King: melodías memorables, letras íntimas y un espíritu atemporal.

Tras veinte años, la banda noruega sigue siendo uno de los secretos mejor guardados del indie europeo. Quizás parte de su encanto resida precisamente en eso. Pero Until the End deja claro que I Was A King merece ser escuchado —y recordado— mucho más allá de sus fronteras.

BANDCAMP 

miércoles, 29 de octubre de 2025

MONTE VENTURA "Volverte a ver"

Monte Ventura presentan “Volverte a Ver”, nuevo adelanto de su esperado debut.
La banda malagueña Monte Ventura continúa desvelando detalles de su primer LP, A Tiempo de Nada, que verá la luz en marzo de 2026 de la mano de El Genio Equivocado. Tras un primer single doble, llega ahora “Volverte a Ver”, una canción cargada de distorsión, emoción y reencuentros.
El tema combina guitarras intensas y una melancolía vibrante, evocando influencias de Neutral Milk Hotel o Los Planetas, y anticipa el espíritu apasionado y diverso del álbum. A Tiempo de Nada promete moverse entre la distorsión, las cuerdas, la electrónica, el folclore y los metales, con referencias tan amplias como The Velvet Underground, Bambino o Surfin’ Bichos.
Formados en Málaga por David y Ernesto, y ahora completados con Saray (Hazte Lapón) y Perico y Juan (Arista Fiera), Monte Ventura consolidan así una nueva etapa de mayor ambición sonora. Con “Volverte a Ver”, la banda reafirma su compromiso con la intensidad, el riesgo y la belleza que marcarán su debut discográfico.

martes, 28 de octubre de 2025

ACAPULCO LIPS "Now"



Acapulco Lips: el tiempo, el fuzz y la belleza del presente en Now

Desde Seattle, Acapulco Lips vuelven con Now, su nuevo y deslumbrante álbum editado por Killroom Records, y lo hacen reafirmando todo lo que los ha convertido en una de las bandas más queridas del panorama garage pop de la Costa Oeste: fuzz soleado, melodías contagiosas y ese irresistible equilibrio entre el encanto sesentero y la crudeza de la era analógica.

Producido por Ben Jenkins y Troy Nelson (fundadores del sello) y masterizado por el legendario Kurt Bloch (icono del punk del Noroeste del Pacífico), Now rezuma calidez analógica, frescura y una confianza ganada tras más de una década de trayectoria.

Desde los primeros acordes de “Welcome to the Other Side”, el disco abre las puertas a un universo psicodélico, brillante pero con un punto de peligro, que marca el tono para el viaje completo. Temas como “You Won’t” mantienen la energía al máximo, con un bajo vibrante, guitarras rugientes y la voz de Maria-Elena Herrell, que combina dulzura y picardía a partes iguales.

Más allá de su sonido inconfundible, Now gira en torno a un tema universal: el tiempo. “Diría que prácticamente cada canción del álbum vuelve a la idea del tiempo”, explica Herrell. “Esa urgencia que sientes al comprender que no puedes recuperarlo, y que no sabes cuánto te queda.” Esa sensación recorre todo el álbum, desde la frustración de “Everyday”, que observa cómo la historia se repite, hasta la melancolía de “Slowly Disappearing”, inspirada por el hospital abandonado donde nació la cantante, una reflexión sobre la pérdida —personal y colectiva— y el inevitable paso de los años.

El disco no baja el ritmo: “Fuzzy Sunshine” es exactamente lo que su título promete, una dosis de psicodelia cálida que suena como una tarde de verano a punto de estallar; “Pas d’échappatoire” aporta un toque de elegancia francesa, puro cool de los 60 con aires cinematográficos; y “The Flim-Flam” recupera la energía garage punk más cruda.

En su tramo final, Now se torna hipnótico y emotivo. “Happy Were the Days” ofrece un giro más oscuro y orientalizante, mientras que “So Many Miles” y “See You On the Other Side” cierran el álbum con un aire reflexivo, casi espiritual: capas de armonías, texturas lisérgicas y un recordatorio final —“Now is the time”— que da sentido al conjunto.

Lo verdaderamente notable de Now es su dualidad: es tanto una celebración como una meditación. Herrell y compañía transforman la urgencia del tiempo en pura energía musical, en un álbum que baila entre la nostalgia y el presente, entre el fuzz y la claridad, entre el pasado y lo que está por venir.

Now no solo es el mejor disco de Acapulco Lips hasta la fecha: es también una invitación a detenerse, respirar y disfrutar del momento. Porque, como bien nos recuerda su título, el tiempo es ahora.


 

BLUEBOY "A life in numbers"



Blueboy regresan tras 30 años con A Life in Numbers

Tras casi tres décadas de silencio, Blueboy vuelven con un álbum que sorprende por su fuerza y madurez. A Life in Numbers es un trabajo lleno de confianza, guitarras afiladas, melancolía, ecos de Americana, voces que se elevan y letras que combinan la ingenuidad luminosa de Unisex con tres décadas más de experiencia vital.

Con frases demoledoras como “I wake up angry; I don't know what to say. Times are a changing... I think I've had my day” o “Broke long ago, healing is slow. How did you know?”, el disco recorre trece historias de pérdidas, comienzos, fracasos y reencuentros, siempre envueltas en melodías capaces de quedarse grabadas en la memoria.

Reformados a principios de 2024, Blueboy llamaron la atención con los singles One y Deux, incluidos en este nuevo álbum, recibiendo elogios de la crítica y sonando en BBC Radio 6. Su regreso alcanzó un punto álgido en noviembre, encabezando junto a Air, St. Vincent y The Bombay Bicycle Club el Joyland Festival en Yakarta ante 12.000 personas. Aclamados como referentes en el sudeste asiático, la banda sigue siendo un secreto bien guardado en Reino Unido, aunque este lanzamiento promete cambiarlo.

A Life in Numbers es exactamente eso: un retrato completo de la vida en trece canciones, interpretadas por un grupo que, pese a la pausa, suena como si nunca se hubiera detenido. Una joya destinada a reconectar con los viejos seguidores y conquistar a nuevas generaciones. 

BANDCAMP

FAMILY SELECTION BOX "Modern Gardening"



Family Selection Box publica Modern Gardening, su tercer álbum inspirado en la vida de los huertos

Tras más de cinco años de silencio, el dúo de Lancaster Family Selection Box —formado por Lauren Paige Dowling y Tom Diffenthal— regresa con “Modern Gardening”, su tercer larga duración, disponible desde hoy (5 de septiembre de 2025) vía Bingo Records en formato digital.

El disco mezcla el característico lirismo cotidiano de la banda con humor surrealista, spoken word, guitarras y sintetizadores tambaleantes, tomando como inspiración la libertad y los fracasos de cultivar tu propio huerto. Entre sus joyas se encuentran el tema titular, “Greener Grass” y “Gillian’s Shed, piezas que desde la aparente sencillez terminan por anclarse en la memoria.

No obstante, también hay espacio para la energía desbordante: “Polyphonic Tunnel Machine” y “Dig Up The Dirt”brillan con un psyche-pop vibrante, mientras que “Frost” y “Memory Shed” evocan la chispa C86 con fuzz melódico y guitarras incisivas.

Con Modern Gardening, Family Selection Box confirma su capacidad de convertir lo cotidiano en un viaje sonoro encantador, logrando un álbum que combina ternura, ruido y un inconfundible sello indie pop.

BANDCAMP

 

THE SUNDRIES "The Sundries"



The Sundries presentan su esperado álbum debut homónimo

Casi tres años después de los aclamados EPs Full of the Joys of Spring y Magic Johnson, el cuarteto londinense The Sundries regresa con su primer álbum de estudio, un trabajo que reafirma su dominio del jangle-pop más luminoso y directo.

El disco aborda las inseguridades, dudas y desencantos propios del amor y las relaciones sin recurrir a adornos innecesarios, apostando en cambio por una exposición clara y sincera. Canciones como Highlight, Saturday Wrestling, Interval o I Love You To Death brillan en esa intersección entre el indie-pop y el twee-pop, recordando por momentos a sus compatriotas The Hannah Barberas en su faceta más melódica.

En el tramo más reposado, temas como Borderline, Martin o All Things About Me despliegan una energía contenida de guitarras suaves que evocan la delicadeza de The Bangles o The Voice of the Beehive. El resultado es un álbum sensible, encantador y plenamente consciente de la tradición del jangle ochentero y noventero que nunca alcanzó el reconocimiento que merecía.

Con este debut, The Sundries firman un retrato fresco y atemporal de un sonido clásico, confirmando que la sencillez bien ejecutada sigue siendo irresistible. 

BANDCAMP

BRNDA "Total Pain"



BRNDA regresa con Total Pain: arte punk en estado puro

Desde Washington D.C., la banda de art punk BRNDA vuelve a la carga con Total Pain, su nuevo trabajo tras Do You Like Salt? (2021) y Thanks for Playing (2018). Con este disco, el cuarteto formado por Dave Lesser y Mark Mcinerney(guitarras), Leah Gage (batería) y Nick Stavely (bajo) consolida un estilo propio: ese sonido inclasificable, irónico y magnético que mezcla escritura ingeniosa, flautas inesperadas y un talk-singing hipnótico.

El álbum, con sus doce cortes, funciona como un viaje sonoro en el que cada canción revela un nuevo paisaje. “Peach Pit” abre con la voz de Leah Gage hablándole de frente al oyente, retratando la apatía de existir en entornos que sofocan. Le sigue “Zebra”, un estallido de ruido y dance rock que desemboca en “Jenny”, más lenta y melancólica, antes de lanzarnos a la sátira de “Blenderman”, una visión ácida sobre la pérdida de identidad en la falsa promesa de la meritocracia americana.

El disco cuenta además con la participación del flautista profesional Mike Gillispie, que añade una textura única a canciones como “Everyone Chicago” y “Frustrations”, llevando la propuesta del grupo a un terreno aún más inusual y fascinante.

Con Total Pain, BRNDA abraza un cruce entre el espíritu del art nouveau de los 60 y la crudeza del punk, dejando atrás la sal de 2021 y entrando en un zoológico sonoro lleno de ironía, frescura y riesgo. Es un álbum pensado para ser escuchado con atención, para analizar y dejarse sacudir, nunca para servir de simple telón de fondo. 

BANDCAMP

TONY MOLINA "On this day"


Tony Molina: la perfección en miniatura con On This Day

Durante más de dos décadas, Tony Molina ha construido una carrera marcada por la constancia, la independencia y una devoción absoluta por el arte de la canción. Su obra, siempre fiel a la tradición del pop y la melodía clásica, combina una ética de trabajo inquebrantable con una sensibilidad casi única para destilar los elementos esenciales de la música —gancho, riff y melodía— hasta su forma más pura y cautivadora.

Con su nuevo disco, On This Day, Molina entrega quizá el álbum más representativo de su trayectoria: 21 canciones de belleza desgarradora que suenan como una colección de sencillos perdidos o joyas ocultas de una era dorada del pop. Grabado y producido junto a Alicia Vanden Heuvel (The Aislers Set) en su estudio casero de San Francisco, el álbum fue registrado en cinta analógica de ocho pistas, preservando un sonido cálido y artesanal. Las colaboraciones incluyen al productor Jack Shirley (Atomic Garden), Nick Bassett en la mezcla, y aportes de Rachel Orimo, Stephen Oriolo, Steve Kerwin y el legendario Gary Olson (The Ladybug Transistor) en la trompeta.

El proceso de grabación pausado permitió a Molina y compañía experimentar con texturas y arreglos: Mellotron, piano, órgano y campanas adornan las canciones con un toque barroco y emocional. Temas como “Ghosts of Punishment Past”, “Livin’ Wrong” y “FC23” evocan los ecos del folk-rock de los 60, mientras que “Despise the Sun” rinde homenaje al clásico álbum homónimo de Heron (1970). “Don’t Belong” continúa la exploración sonora que Tony inició con su proyecto The Lost Days en 2023, mientras que la melancólica “Take Some Time” y la tradicional “Just As The Tide Was Flowing” —revisitada al estilo Byrds y Bill Fox— refuerzan su conexión con la historia del folk británico.

En el terreno del baroque pop y el psych pop, destacan “Faded Holiday” y “No Place to Turn”, donde Molina demuestra su maestría en la estructura armónica y en los arreglos concisos que son su sello. Pero quizá el momento más brillante llega con “Violets of Dawn” —una reinterpretación del tema de Eric Andersen—, un estallido de guitarras de 12 cuerdas y armonías en cascada, dos minutos y quince segundos de perfección pop.

Entre piezas clásicas de guitarra y explosiones de energía como “Have Your Way” —un minuto que canaliza a The Whocon el ruido melódico de Henry’s Dress—, On This Day se siente como un álbum en el sentido más auténtico: un ciclo coherente de canciones unidas por el ánimo, la melodía y la intención.

Más que una colección de temas, este disco es una afirmación artística. Tony Molina demuestra que aún en la brevedad puede residir lo eterno: un recordatorio de que el poder de una gran canción no depende de su duración, sino de su capacidad para quedarse en la memoria. On This Day es, sin duda, su obra más lograda hasta la fecha.

BANDCAMP

 

THE RADIO FIELD "Air and sunlight"



The Radio Field ilumina el jangle-pop con su nuevo álbum Air and Sunlight

Dos años después de su aclamado debut Don’ts and Dos, un disco que coqueteaba con lo que muchos describirían como el paraíso del jangle-pop, la banda con sede en Düsseldorf, The Radio Field, regresa con Air and Sunlight, un trabajo que equilibra a la perfección la pureza cristalina de su sonido con una ligera dosis de turbulencia emocional.

Desde el primer tema, “It’s Alright”, el grupo establece el tono del álbum: guitarras brillantes y entrelazadas que parecen competir entre sí por el protagonismo, una marca distintiva de la banda. Su habilidad para crear riffs cristalinos y melódicos se mantiene intacta, ofreciendo una experiencia sonora tan luminosa como envolvente.

En su faceta más reluciente, Air and Sunlight brilla con un repique resplandeciente que recordará a los seguidores de Stephen’s Shore, mientras que el tema “Of Dragons and Souls” introduce una nota melancólica, convirtiéndose en el punto más introspectivo del disco. Canciones como “What It Takes” exploran un indie rock de ritmo constante y guitarras vibrantes, evocando el espíritu de Ducks Ltd., mientras que “Ride With Me” y “Sun Dial” se aventuran hacia los bordes del alt-country y la Americana, ampliando el horizonte sonoro del grupo.

Sin embargo, lo que distingue a The Radio Field no es solo su dominio del jangle-pop más puro, sino su capacidad para empujar los límites del género. Temas como “Apogee” y “Same” presentan una producción sutil, más pulida que lo-fi, creando el ambiente ideal para las voces etéreas y casi fantasmas de “Hey You”, con un tono que remite a la mítica Nico.

Con Air and Sunlight, The Radio Field consolida su posición como una de las propuestas más refinadas y prometedoras del jangle-pop de los primeros años de la década de 2020. Su música logra un delicado equilibrio entre la claridad y la imperfección, recordándonos que incluso en aguas turbias, la luz puede seguir brillando.

BANDCAMP

 

PIGGIETAILS "Piggietails"



Piggietails: el encanto cotidiano del pop desde Naarm

El primer lanzamiento oficial del cuarteto Piggietails, originario de Naarm (Melbourne), llega en forma de un álbum homónimo de 10 canciones, una obra que combina lo casual y discreto con lo encantador y absorbente, invitando al oyente a adentrarse en su mundo de canciones que capturan la vida diaria como si fueran naturalezas muertas sonoras.

Nacido de la amistad y de una actitud relajada hacia la composición a finales de 2023, el grupo fue encontrando su lugar poco a poco dentro de la escena local de Melbourne, compartiendo escenario con bandas como Cool Sounds y Mess Esque.

Musicalmente, Piggietails toma referencias del guitar pop australiano de los 80, del indie rock introspectivo de Yo La Tengo y de los sonidos jangly del revival de los años 2000. El resultado es una mezcla de épocas que desemboca en canciones simples pero líricamente cautivadoras, capaces de arrastrarte a su universo personal. Ellos mismos definen su estilo con humor como “música cotidiana”.

En su debut, Piggietails teje una colección de 10 temas que funcionan como pequeñas viñetas sobre los placeres simples y las rutinas de todos los días. En un panorama musical saturado de propuestas maximalistas, su enfoque minimalista y honesto se siente como un soplo de aire fresco.

El álbum Piggietails fue lanzado el 19 de septiembre de 2025 y todas las canciones fueron escritas por Cal Blackburn, Jet Noonan, Izzy Hardisty y Tino D’Onghia.

Con este debut, el grupo demuestra que no hace falta ruido ni artificios para conectar con la emoción de lo cotidiano, y deja abierta la expectativa por lo que vendrá después.

BANDCAMP 

GREAT LAKES "Don´t swim too close"


Ben Crum regresa con Great Lakes y anuncia Don’t Swim Too Close

Ha pasado un tiempo desde que supimos algo de Ben Crum y su proyecto Great Lakes, pero el anuncio de su nuevo álbum, Don’t Swim Too Close, es la excusa perfecta para celebrar.

Este disco marca un momento especial en la trayectoria de Crum, pues llega después de que el músico se recuperara de una fuerte conmoción cerebral que lo dejó sumido en la depresión y cuestionando su vida. Esa experiencia se refleja con claridad en el trasfondo lírico de las canciones, donde la vulnerabilidad se filtra en cada verso. Sin embargo, al igual que en los mejores discos de Silver Jews, el mensaje se presenta envuelto en una mezcla casi perfecta de Americana e indie rock.

Una de las frases más llamativas, “don’t swim too close to this drowning man” (“no nades demasiado cerca de este hombre que se ahoga”), parece funcionar como un recordatorio íntimo para el propio Crum: mantenerse lejos de los rincones más oscuros de sus pensamientos y concentrarse en los momentos de celebración y energía que también ofrece el álbum.

Con este lanzamiento, Ben Crum demuestra que la música puede ser refugio y resurgimiento. Don’t Swim Too Close estará disponible el 7 de noviembre a través del sello HHBTM.

NADADORA "Mañana y Siempre"

NADADORA REGRESA TRAS QUINCE AÑOS DE SILENCIO CON DOS SINGLES DESLUMBRANTES Y UN NUEVO DISCO:   MAÑANA Y SIEMPRE Quince años después de   Lu...